합창음악의 이해 그 기본요건을 중심으로 014-09-14

 

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글쓴이:하찬송(http://cafe.daum.net/searchingfestival/RDek/270?sns=facebook&q=%ED%95%A9%EC%B0%BD%EC%9D%8C%EC%95%85%EC%9D%98+%EC%9D%B4%ED%95%B4+%EA%B7%B8+%EA%B8%B0%EB%B3%B8%EC%9A%94%EA%B1%B4%EC%9D%84+%EC%A4%91%EC%8B%AC%EC%9C%BC%EB%A1%9C+ 에서 복사해 옴)

합창음악의 이해 그 기본요건을 중심으로

 

 

 

 

합창음악의 기본요건
음악의 기본	Rhythm	Intonation
연주의 기본	Tempo	Dynamics
성악의 기본	Tone	Diction
양상블의 기본	Blending	Balance
해석의 기본	Form	Style

 

 

 

 

 

합창음악의 기본요건

 

 

 

합창단원, 반주자 특히 지휘자들에겐 가장 기본이 되는 것들이고 이 글을 통

해서 합창에 대한 이해의 폭이 커지기를 바랍니다. 아울러 이 글은 88년도 전국

대학 합창협의회 주체 (지휘자 class)의 강의 내용을 바탕으로 기타 참고 서적

을 통해 재구성한 글임을 밝힙니다.

합창 음악의 기본 요건은 10가지 정도로 요약할 수 있습니다.

*음악의 기본 - Rhythm, Intonation

*연주의 기본 - Tempo, Dynamics

*성악의 기본 - Tone, Diction

*앙상블의 기본 - Blending, Balance

*해석의 기본 - Form, Style

 

1. Rhythm

 

 

 

합창 음악에 있어서 리듬의 중요성은 새감 강조해도 놀랄 것이 못됩니다.

음악의 3요소중 가장 중요한 것을 들라면, 단연코 리듬입니다. 합창을 할 때,

리듬에 관해서는 4가지 면에서 유념해야 합니다.

1)각 part의 리듬이 정확해야 합니다..

2)리듬의 분할은 완전해야 합니다.

ex) 6/8 박자는 한마디가 2개의 부분으로 분할되는 것이 대부분이지만

6/8 박자의 우리 민요는 3분할이 많다는 데 주의할 것.

3) dotted rhythm (점 4분음표 등) 에 특히 신경 써야 합니다.

4) 리듬과 박자의 변화에 주의해야 합니다.

 

2. Intonation (음정)

 

 

 

"음정"을 연습하는 목적은 음을 catch 하는 능력과, 화음에 대해 민감하게

느끼는 능력을 기르기 위해서 입니다. "음감"이 뛰어날수록 음정이 흔들리지

않죠. 주의할 것은 합창에 쓰이는 인간의 목소리는 평균율(이 세상에서 평균

율된 악기는 피아노밖에 없죠) 된 악기가 아니므로 당연히 순정율에 맞춰 연

습해야 한다는 것입니다. 그러므로 파트 연습시나, 따로 음정을 연습할 때에

되도록 피아노에 의존하지 않는 것이 "음감"을 키우는데 도움이 됩니다.

cf> 무반주 합창곡을 들을 때 더욱 합창의 묘미가 느껴지는 것은 순정율

된 화음이 그대로 우리에게 느껴지기 때문입니다.

 

3. Tempo

 

 

 

Tempo는 Dynamics와 함께 연주의 성격을 결정하는 중요한 요인입니다. 템포

에 따라 연주의 느낌이 달라지므로, 템포의 처리는 적절하게 해야 되는 것

입니다.

템포의 기준이 되는 것은 'Andante' 입니다. 이는 메트로놈에서 보통 70-80

정도 (인간이 거니는 속도)로 나타납니다.

cf> 항상 기준이 되는 템포를 잡아 곡의 빠르기를 계산할 줄 알아야 합니

다. 자기가 아는 클래식곡 중에서 Andante Tempo의 곡을 골라 그 멜로

디를 통해 자연스럽게 템포를 몸에 익히는 것도 좋은 방법입니다. 예를

들면 차이코프스키의 'Andante Cantabile' 같은 곡을 읊조리면서 자연

스럽게 언제라도 템포를 마음속에 잡을 수 있는 것이죠.

Tempo의 결정은 음악적 측면과 비음악적 측면의 두 가지 요인으로 크게 나

누어 볼 수 있습니다.

*Tempo 의 결정

1)음악적인 측면

(1) 가사의 내용과 글자의 수, 그리고 발음의 난이도

(2) 화음들이 밀집하게 배치되어 있는 경우와 그렇지 않은 경우

(너무 빨리 하면 공간적 문제로 화음이 섞일 가능성이 있죠)

(3) 리듬의 구조 (잘게 쪼개진 경우, 그렇지 않은 경우)

(4) 음악용어에 의한 요인 (박자표, 템포기호 등)

(5) 역사적 요인

ex) 바로크 음악 : 허용되는 범위 내에서 템포를 약간은 변화시킬

수 있음.

낭만파 음악 : 마지막 마디 rit가 보편적이었음.

2) 비음악적인 측면

(1) 합창단의 규모(너무 많으면 템포를 하기가 어려움)

(2) 연주자의 능력에 의한 요인

(3) 음향 상태에 의한 요인 (음의 소멸시간이 긴 장소에서 빠르게 연주하

면 화음이 뒤섞이게 되고 합창의 음향에 영향을 미침)

 

4. Dynamics

 

 

 

Dynamics는 Tempo와 함께 연주의 성격을 결정하는 중요한 요인입니다. 그런

데 Dynamics(강약법,음량법)는 상대적인 관점에서 이해해야 합니다. 절대적

인 강약과 절대적인 음량은 없다고 보아야 하기 때문이죠. 미의 관점이 '인

간의 마음'에 있기 때문에 Dynamics는 주관적일 수밖에 없습니다.

ex)

1) 강약의 크기

fff: 비성악적인 소리 (찢어지는 소리), 기악에서도 특별한 때만 사용됨.

ff : (full Sound)꽉 찬 소리(물론 소리의 중심은 가슴이 아닌 횡경막 아

래로 두어야 합니 다.)

f : '강하게 하려는 의지' 에서 나오는 소리.

mf : '너무 여려지면 안되겠다' 고 내는 소리

mp : '너무 세지면 안되겠다' 고 내는 소리

p : '여리게 해야 겠다' 고 내는 소리

pp : '여리게 한다 + 긴장한다'는 느낌의 소리. 긴장을 절대 풀어서는 안

됩니다. pp의 소리의 form은 ff 의 form과 같다는 것을 잊지 말아야 합니

다. 몸의 바침이 없는 pp는 단지 음량이 감소되는 것일 뿐이라 할 수 있으

며 힘없는 소리가 날 수 밖에 없죠.

ppp: 긴장이 없는 자연스러운 소리, 긴장이 풀린 신비한 소리 - 합창에서

는 가능한 소리입니다.

2) 메짜 디 보체

낼 수 있는 가장 여린 음으로 부터 가득찬 음까지 서서히 음을 크게 한다

거나 또는 반대로 작게 하거나 하는 기술을 의미합니다. 여기서 입모양 이

대단히 중요한데 음을 내기 시작할 때는 입을 조금만 벌리고 음의 증가에

따라 점차 크게 벌립니다. 턱이 굳으면 장애를 주게 됨은 물론입니다.

이 Crescendo, Decrescendo 는 <, >로 표시되며, '스웰한다'는 표현을

쓰는데 거의 대부분의 곡에 쓰이고 있죠, 한스 폰 뷜로는 "Cresc. 는 p를

의미하고, Diminuendo는 f를 의미한다" 라고 말하였는데, 이 말의 의미는

Cresc.는 p에서부터 Diminuendo 는 f 로부터 시작되는 것이 최고의 효과를

나타내기 때문에, 항상 마음속으로 Cresc. 시에는 p를 Dim 시에는 f 를 생

각하라는 뜻입니다.

Dynamic 의 결정.

1) Melody의 움직임에 따르는 방법 : 멜로디의 진행이 위로 올라가면

Cresc. 아래로 내려가면 Dim.로 연주되는 방법을 말합니다. 예외적으로

4부 합창에서는 Bass part가 상행하면서 Dim. 되고, 하행하면서 Cresc.

가 될 수 있습니다. 왜냐하면 4성부의 배치에서 Sop. 와 Bass는 반진행

으로 되는 경우가 있을수 있기 때문입니다.

2) Rhythm에 의한 요인: 음표의 길이가 짧으면 긴 것보다 작고 경쾌하게 연

주되며, 그 반대로 음표의 길이가 길면 상대적으로 크고 무겁게 연주되

죠. 박자의 강, 약박도 Dynamics에 영향을 미칩니다.

3) Harmony에 의한 요인 : 단,장,감,증화음의 순서로 소리가 커지고

3,7,9,11 화음의 순서로 소리가 커집니다.

4) 형식에 의한 요인 : 작곡에 있어서 매우 중요한 것이 형식인데, 작곡자

는 반복기법, 대조기법, 강조하는 기법 등을 사용해서 곡을 완성시켜 갑

니다. 여기서 Dynamics의 중요성은 새삼 강조하지 않아도 알 수 있는데

예를 들면 반복기법을 사용하더라도 곡에 변화를 주기 위해 하나는 p 로

다른 하나는 f 로 불리워지게 되는 것이죠

5) 가사에 의한 요인 : 어떤 내용을 담고 있느냐의 문제인데, 가사의 내용

을 충실한 감정으로 표현하기 위해서는 Dynamics의 적절한 사용이 필수

적이죠

6) 기호에 의한 요인 : p, f, Cresc, Dim. 등에 따라 달라짐

7)음악사에 이한 요인 : 시대적 여건에 따라 강약이 조절될 수 있으며, 또

후대의 편집자에 임의대로 강약기호를 적어 넣을 수도 있는 것이죠

8) 인적인 요인 : 연주자가 다르면 같은 악상기호라도 다른 느낌을 주는 소

리가 만들어집니다.

 

5. Tone(발성)

 

 

 

tone은 Diction과 더불어 성악의 기본이 되며, Blending과 Balance의 문제

와 함께,합창연습시 꾸준히 연습되어야 할 부분입니다. 합창 발성의 목적은,

합창이라는 상황에 의하여 만들어질 수 있는 최고 상태의 울림을 지향합니다.

발성을 하는 것은 운동을 하는 것과 별로 차이가 없는데, 발성 운동이 모두

근육의 작용에 의해서 이루어지기 때문입니다.

발성 연습의 출발점은 '자세의 연습'에서부터 입니다. 이것은 대단히 중요

한데, 바른 자세에서만이 바른 노래가 나오는 것은 지극히 상식적인 일이죠.

자세의 연습 다음에는 호흡의 연습이 필요합니다. 그 다음이 공명 연습이죠.

소위 '발성법' 하면 세 가지 단계를 거칩니다. 첫째가 '호흡' 이고 , 둘째

가'발성' 그리고 마지막이 '공명' 입니다. 이 중에서 공명의 문제가 매우 중

요하게 대두됩니다.

공명은 흉강,물가니시공, 인후강, 구강, 비강, 두강 공명으로 나누어 볼 수

있는데, 이중에서도 '두강공명'이 제일 중요합니다. 18세기의 이상적인 음악

가 상이었던 Kastrat는 훌륭한 Bel canto 창법(고운 소리)으로써 두강공명을

훌륭히 해냈죠. 아무튼 이 '두강'을 울리기 위해서는 머릿속의 접골동, 사골

동, 전두동, 상악동 등을 이용하게 되는데, 어느 한 곳에 치우침 없이 골고루

울리는 것에 신경 써야 합니다.

지금 까지 기본적인 내용을 머리 속에 주지시키면서 합창연습시 꾸준히 벌

성연습을 해야 합니다.

 

6.Diction(발음)

 

 

 

합창단의 구비 조건중 인적자원에 관계되는 것이 '발음'입니다. 합창단원들

이 합창 발성을 잘 해야되는 것은 필수적이죠. 합창이란 잘 발성하고, 잘 발

음하는 것에 의하여 만들어지게 되는 것이라고 할 수 있습니다. 이렇게 보면

합창 발음이 얼마나 중요한 가에 대해서 더 논의할 필요가 없으리라 생각됩니

다. 발음은 발성과 함께 좋은 합창의 울림을 가능하게 하는 지주인 것입니다.

*발음연습의 필요성 : 발음은 인상적인 합창 공연의 열쇠입니다. 합창의 좋

은 점 중에서 많은 것들이 발음에 기초하고 있죠. 그러나 합창시 가장 약한

부분이 발음입니다. 대부분의 합창단이 발음보다는 발성에 치우치게 노래하는

것이 일반적인 경향이기 때문입니다.

*모음과 자음: 노래를 할 때는 자음과 모음을 구별해서 발음해야 합니다.

모음으로 선율이 연결되도록 하고, 자음으로 뜻이 통하도록 해야합니다. 즉 ,

모음을 지속하면서 노래를 만들고, 자음으로 끊어주는 역할(phrase와 뜻의 명

확성을 기하기 위해)을 해야 한다는 것이죠.

1) 모음 : 어느 모음이고 입을 옆으로 벌려서 노래해서는 안된다는 규칙은

말할 수 없으리만큼 중요하지만,이것은 쉽게 실행에 옮길 수 있습

니다. 즉, 모든 모음은 공명감을 가급적 크게 하기 위하여 항상

입을 둥글게 하고, 입술을 가볍게 앞으로 내밀어 발음하지 않으면

안되죠.'이, 에, 아, 오, 우'의; 순서로 음색이 점점 부드러워 집

니다. '이'가 가장 빛나는 소리를 내는 모음이고, '우'가 가장 부

드러운 소리를 내는 모음입니다.

2)자음 :자음의 울림에 따라서 청중이 느끼는 분위기, 내용의 전달에 큰 영

향을 줍니다.

*자음에서의 유의사항

a. 모음 전에 오는 자음은 미리 준비할 것(ex:Ma:(음)마)

b. 모음 다음의 자음은 그 음표의 길이를 넘지 않는 곳 (즉, 다음 마

디의 박자까지 끌어들이지 말라는 것임. 2분음표면 그 길이를 넘

지 않는 곳- 두로 한 박자 반 뒤에 -에서 자음을 소리낼 것

 

7.Blending(혼합)

 

 

 

합창에 있어서 '한 part 가 한소리'로 노래 불러야 하는 것은 기본입니다.

합창에서 소리를 Blending하는 순서는 두 가지입니다.

1) '음정'이 맞아야함

2) '음색'이 맞아야 함(음색의 통일):음색은 개인의 공명방법과 비브라토로

얼마든지 달라지기 때문에 음색의 통일에는 많은 - 특히 PART 연습 - 이

필요합니다. 특히 비브라토(목소리의 떨림)는 잘 콘트롤해야 합니다.

 

8.Balance(균형)

 

 

 

합창음악에 있어서 앙상블의 기본이 되는 것이 Blending과 Balance 입니다.

합창에 있어서 소리의 크기를 나타내면 다음과 같습니다.

1)남성합창

* -Ten.1

*** -Ten.2

***** -Bar.

********* -Bass

2)혼성합창:같은 수의 합창단이라도 내는 소리의 정도는 아래와 같습니

다.

***** -Sop.

******* -Alt.

********* -Ten.

*********** -Bass

3)여성합창 : 진동수의 차이가 없으므로 같은 Level의 소리가 납니다.

******** -H.Sop.

******** -M.Sop.

******** -Alt.

 

9.Form

 

 

 

*Text : 연주자는 항상 악보(text)에 충실해야 합니다. 작곡자의 의도를 파악

하는 것이 제일 중요합니다.

*Phrasing,Articulation

연주라는 상황에서 생각하면 Phrasing(구절법)과 Articulation(분절법)이라

는 말은 중요한 의미를 가지고 있습니다.

Phrasing 은 '의미의 구분' 과 같은 것으로 이해할 수 있으며, 음악의 내용

을 의미가 통하도록 통괄하여 구분하는 것을 말합니다.

Articulation은 리듬을 여러가지 방법으로 결합하거나 분리하는 것을 의미합

니다.즉, 어떤 하나의 음형을 여러가지로 표현하는 것을 뜻한다고 할 수 있

죠.이론적으로 가능한, 단 하나의 Phrase 에 여러가지의 Articulation이 적

용될 수 있습니다.

1)Phrasing

악구 단락법을 의미합니다.Phrase를 구분하는 방법을 Phrasing 이라하

는데,Phrase 란 문장의 단락에 해당하는 선율선의 자연스런 단락을 의

미합니다. Phrase를 구분하는 것은, 문장작성시 ','나 '.'를 붙이거나

행을 바꾸는 것과 같은 원리입니다.

*Phrase의 구분

17세기 서양 음악에는 하나의 Phrase가 3,5,7 소절로 이루어진 것이

많습니다.(기독교의 영향: 완전수를 3으로 보았기에) 그렇지만 18세기

이후의 음악에는 하나의 Phrase가 2,4,8 소절 등으로 이루어진 것이

많습니다. 그리고 이런 Phrase 가 모여서 하나의 악곡을 형성하게 되

는 것이죠. 합창음악의 경우에 Phrase 에 대한 일반적인 법칙은, 합창

곡의 작곡이 가사를 중심으로 이루어 졌기에, 가사를 자세히 연구하면

Phrase를 쉽게 찾을 수 있습니다.

Phrase 의 구분은'의미가 통할 수 있는 하나의 덩어리'로 구분하는 것

이 중요합니다.Phrase 구분에 대한 나운영 선생님의 견해를 소개하면

a.Phrase 는 세로줄의 직전에서 분류되는 것이 아니다.(즉, 세로줄로

나뉘어지는 것이 아니라는 뜻. 보표의 세로줄은 음을 구분하는 것이

지 의미를 구분하는 것이 아니므로)

b.Phrase는 2박자의 곡은 1박자에서, 3박자의 곡은 2박자에서, 4박자

의 곡은 3박자에서,6박자의 곡은 5박자에서 끊어진다.

*Phrase의 표현

a.Phrase는 하나로 취급해서 표현합니다

b.Phrase의 첫 음과 끝음의 처리를 잘 해야하죠.Phrase의 끝음은 단

락을 알 수 있도록 표현해야하는데, 조금 짤막하게 단락지어야합니

다. 다음 Phrase의 시작이 명료해야하기 때문입니다.

c.Phrase의 표현은 호흡과 연관시켜서 해야합니다. Phrase는 호흡에

의하여 다음으로 이어지는 것과 분리가 되죠

2)Articulation

Articulation(분절법)은 언어와 무관하지 않습니다. 합창을 할때의

분절은 말할 때와 같이 해야합니다. Phrase 의 분절은 획일적으로 규

정할 수 있는 성질의 것이 아니죠.음악과 리듬의 차이에 따라, 다양

한 Articulation이 가능합니다. 같은 리듬이라고 하더라도 여러가지

로 다르게 연주할 수 있으며, 이에 따라 전혀 다른 맛이 나게 되는

것이죠. 그리고 궁극적으로는 음악이 생명을 지니게 됩니다. 개성있

는 훌륭한 연주가 이루어지려면 Articulation의 올바른 이해가 선행

되야함은 물론입니다.

ex>예를 들자면, 어떤 한 소절을 노래할 때 스타카토로 부르느냐, 마

르카토로 부르느냐,테누토로 부르느냐에 따라서 곡의 느낌이 완전히

달라짐을 미루어 짐작할 수 있겠죠.

 

10. Style

 

 

 

합창음악은 시대적 스타일, 작고가의 스타일, 연주자의 스타일등에 따라 많

은 다양성을 보여주고 있습니다. 그러므로, 어느 곡을 연습하든지 간에 이러

한 것들을 우선 공부한 다음에 곡을 접해야 합니다.

끝까지 읽어주신 여러분께 경의를 표합니다. 이 글이 합창단이나 성가대를 하

고 계신 분들 혹은 관심이 있으신 분들께 약간이라도 도움이 되었는지 모르겠네

요.

사실 지금까지 언급했던 사항들을 모르더라도 노래부르는 데는 지장이 없습니

다. 하지만, 좀 더 너은 음악을 만들기 위한 노력은 지휘자, 반주자에게만 필요

한 것이 아니죠. 모두의 노력이 합쳐졌을 때 진정한 <합창>의 묘미에 한 발 더

다가섰음을 알 수 있을 것입니다.

 

 

 

 

합창음악의 기본요건
음악의 기본	Rhythm	Intonation
연주의 기본	Tempo	Dynamics
성악의 기본	Tone	Diction
양상블의 기본	Blending	Balance
해석의 기본	Form	Style

 

알림 : 이글은 천리안 고전음악동호회에서 받았습니다