Ballade: AAB (Bar form) 양식, 3부 형식으로 상성부에 선율과 리듬적 중요성을 가진다
Rondeau: 같은 가사와 음악이 되풀이되는 A 후렴을 가진 ABaAabAB형의 독창을 위한 2부 형식으로 두 개의 낮은 기악부를 가지며 단성 트루베르에서 나옴
Virelai: Chanson Ballade라고도 하는데 역시 단성. Trouveres에서 왔고
3. 주요 작곡가 및 작품
Guillaume de Machaut (1305~77):
Notre Dame Mass: Mass의 Ordinary (일상부) 5부를 하나의 음악적인 작품으로 보고 Kyrie, Sanctus, Agnus Dei는 Gregorian Tenor에 기초하여 Isorhythm으로 되어 있고 Gloria와 Credo는 Conductus와 같은 단음절 양식이다. (이런 생각은 15c에 이루어짐)
Landini Cadence: 종지하기 전에 6도가 가운데 나타난다
* 이탈리아의 아르스 노바 (Italy의 Ars Nova)
1. 일반적 특징
1) Cantus Firmus 기교를 사용하지 않았다
2) France보다 선율적으로 덜 복잡
3) 단순한 구조를 사용
4) 유연한 성악 형태의 도입
2. 주요 양식
1) Madrigal: 2성부의 목가적 시. 3행 줄의 연을 2-3개 갖고 여기에 Ritornello가 붙음. 상성부는 Melisma로 장식됨
2) Caccia (1345-1370 유행): Canon 형식. 사냥이란 뜻. 17c 영국의 Catch에 영향
3) Ballata: Madrigal이나 Caccia보다 늦게 유행. France의 Virelai와 유사. F. Landini가 대표적 작곡가
3. Musica Ficta (falsa)
가짜 음악'이란 뜻. Guido의 체계에 따르지 않고 연주자들이 기보에 따라 임시기호를 사용해 연주한 것
3도가 동음으로 갈 때는 단음정이 되어야 하고, 6도가 8도로 갈 때는 장음정이 되어야 한다는 규칙이 생김
* 르네상스 (1400 ~ 1600)
1. 14세기 기보법의 변화
mood, Time, prolation 체계가 확립되었으며, 3박자는 '완전', 2박자는 '불완전'으로 간주되었습니다(삼위일체 관련).
2. 15세기 초반의 영국 음악
장조 조성으로 향하려는 경향과 화성적 동일성, 음향의 충실성을 추구했습니다
대륙보다 3도와 6도를 많이 사용하여 협화음으로 안정감을 주었습니다.
Fauxbourdon (포부르동): 병행 6도로 진행하는 성부 사이에 8도가 끼어드는 방식으로, 새로운 3성부 서법을 형성했습니다.
3. 주요 작곡가: John Dunstable (1385-1453)
당시 모든 다성음악 양식으로 작곡했으며, Isorhythm Motet와 미사 통상문 악장 등을 남겼습니다.
주로 3성부 종교곡(Antiphon, 찬가)을 썼으며, C.F를 쓰기도 하고 빌려오기도 했습니다.
* 14세기와 15세기 모테트(Motet)의 차이
13세기 모테트와 달리 14세기 모테트는 한 개의 가사만을 갖는 것으로 대치되었습니다.
France Ballade: 독창으로 가사를 처리합니다.
Italy Madrigal: 가사를 여러 성부에 배분합니다.
Fauxbourdon: 가사를 동시에 발음합니다.
* 15세기 부르군트 악파 (Burgundian School)
일반적 특징:
1) 3부 다성 음악이 우세합니다.
2) 선율적, 운율적 흥취가 고음부에 집중됩니다.
3) 기악 성부를 가진 독창곡이 많습니다.
4) 선율적 진행은 여러 종류의 3도가 특징적입니다.
5) 3박자가 14세기보다 더 일반적으로 사용됩니다.
6) Chordal style(Familiar Style)을 향한 뚜렷한 경향을 보입니다.
7) Fauxbourdon(영국에서는 discant)이 사용됩니다.
8) C.F(정선율)는 1450년 이후 Franco-Flemish 학파에서 더 잘 쓰이게 됩니다.
9) 모방 기법은 아직 잘 쓰이지 않습니다.
10) Landini Cadence는 아직 일반적으로 사용됩니다.
주요 양식: Mass, Motet, Carole, 다성 Chanson.
3. 주요 장르 및 작곡가
Chanson: 세속적인 시에 붙인 다성 음악곡의 일반적 용어입니다. Rondo 형태가 많고, 두 줄의 후렴이 있는 전통적 형식도 존재합니다. 부르군트 악파의 특징적 산물이며, 대가는 G. Binchois입니다.
Motet의 변화: 13~14세기 모테트는 Gregorian 선율의 인지 여부에 관여하지 않았으나, Burgundy Motet는 Gregorian 성가를 알아들을 수 있게 썼습니다.
주요 인물:
. Dufay (c. 1400-74)
Gilles Binchois (c. 1400-60)
Johannes Ockeghem (1430-1495):
15세기에는 최저 성부가 화성 진행의 기초로서 기능을 할 것을 요구받았으며, Mass 음악이 주류를 이루었습니다.
Harmonice Musices Odhecaton A: 1501년에 Venice에서 출판. Obrecht, Isaac, Josquin 시대의 대표적 선집.
Josquin des Prez (c. 1440-1521):
Motet가 많고 전 시대를 통틀어 가장 위대한 음악가 중 하나.
3. Franco-Flemish 악파 (1450~1550) 특징
1) 4성부가 유행.
2) 같은 Style의 균형 잡힌 다성 음악.
3) 모방 기법(Imitation)이 지배적 역할.
4) Canon의 새로운 형태.
5) fauxbourdon과 Landini Cadence가 없어짐.
6) Duet style의 보편화.
7) Chordal Style과 대위법 Style의 교체가 전형적.
8) 정격(V-I)과 변격(IV-I) 종지형이 선율 종지형보다 보편화됨.
9) Musica Reservata style의 창시.
* Musica Reservata
시기: 16세기 중반 직후부터 사용.
특징: 가사를 강력하고 상세하게 반영하려는 욕심에서 음악에 반음계주의의 화성적 자유, 장식법, 그리고 리듬과 짜임새의 대비 등을 도입한 음악.
선구자: Josquin des Prez.
양식: Canon, Mass, Motet, 세속음악.
* 르네상스의 리듬
1) 유려한 리듬: 대위법적인 것이나 즉흥 양식적인 것.
2) 강하게 구분되는 리듬: 기악 춤곡이나 세속 성악곡에 나타남.
6. Netherland인의 시대 (1450~1550년):
성악 다성음악 시대.
Parody Mass (패러디 미사): 이미 쓰여진 Chanson, Mass, 또는 Motet의 한 성부만을 채용하지 않고 여러 성부를 채용하는 Mass.
- Heinrich Isaac (1450~1517) - Nicholas Gombert (c.1500~1556):
Netherland Motet 양식의 확립.
- Jacobus Clemens (1510~1556):
Parody Mass가 주종 "비밀 반음계 양식"에서...
- Adrian Willaert (1485~1562)
Venice 악파의 시조.
* 16C 음악의 특징:
1) 민족 악파의 등장 (Franco-Flemish 악파가 지배적이긴 하지만).
2) 성악 다성음악의 절정.
3) 독립적인 기악 Style의 시작 (성악 Style이 지배적이긴 하지만).
4) 독, 영, 프에서 세속 음악이 우월해지기 시작 (로마 교회가 종교 음악을 지배하긴 하지만) 해서 Baroque 말기에 절정.
5) 속악이 귀족들의 후원하에 번창.
6) 선법이 영향을 미치지만 장·단음계로의 경향.
7) 화성적 완전성이 4성부 구조로 보급.
8) 구성은 Chord 상태에서 Fugue 식으로 되고 Point의 등성으로 균형 잡힌 다성음악.
Josquin Motet의 구조:
1) 한 구절이나 이에 부수되는 성부들의 반복.
2) 작품을 몇 개의 큰 악절로 구분.
3) 순환되는 3부분 형식.
4) 종지를 향한 의도적 접근 — 1480~1530년의 Netherland 다성음악의 특징.
* 시대별 주도국
16C 초반은 Netherland가 음악의 주도국
17C 초반은 Italy가 음악의 주도국
* 주요 음악 양식
- Frottola (프로톨라)
15C 말 ~ 16C 초에 성행한 것으로 4성부의 뚜렷한 리듬 형태와 최고 성부에 선율이 놓이는 명료한 화성 양식의 음악에 단음절적으로 가사가 붙는 것이다.
연주는 주로 맨 윗 성부를 노래하고 나머지 성부들은 반주로 되어 Italy Madrigal의 전신이 된다. 세속음악.
- Lauda (라우다)
비정규적인 종교 모임에서 노래되며 연주는 A Capella로 하든지 아래 세 성부를 기악으로 할 수도 있었다.
단음절적, 화성적, 규칙적 리듬을 가지며 선율은 최상성부에 있고 Gregorian 주제는 거의 사용하지 않는다.
가사는 Italy어 나 Latin어, 비의전적 봉헌송이며 선율을 세속 노래에서 가져올 때가 많다.
* France Chanson과 Netherland Chanson 비교
- France Chanson: 가볍고 빠르고 강한 리듬을 갖는 4성부 노래로서 많은 반복음을 갖는 단음절적인 구조로 되어 있고 2박자가 지배하며 화성음악이 지배적이다. 가사는 폭넓은 주제와 시 형식을 가지며 연애 장면이 잘 다루어진다.
- Netherland Chanson: France의 것보다 더 대위법적이며 더 충실한 짜임새, 더 부드러운 선율선, 덜 뚜렷한 리듬으로 된 것들이다.
Lochamer Liederbuch (1452): 독일 다성 노래 모음집.
Heinrich Finck (1445-1527): 다성 Lied의 첫 대가.
독일의 다성 Lied: 좀 늦게 생겼다. **Ludwig Senfl (1482-1543)**에서 절정.
Spain의 Villancico: Italy Frottola의 Spain 판이다.
* 종교 음악 (Catholic & Protestant)
1. Roman Catholic 음악
주요 작곡가: Cristobal de Morales (Spain 작곡가), Palestrina (1525-94, 가톨릭 음악의 1인자).
Style의 일반적 특징:
1) Part의 동등성이 구성상의 특징임.
2) 5성부가 보편적임.
3) 4성부 구성이 풍부한 화성적 공명을 줌.
4) 15C처럼 Chord style이 Fugue style로 변함.
5) 불협화음정은 경과음, 인접음, 예견음, 계류음, 캄비아타에 제한함.
6) 기악이 사용되었으나 기악형의 지정 없이 A Capella로 작곡됨.
7) 대부분 전음계적이지만 세기말에 반음계가 나타나기 시작함.
8) Latin어가 교회 언어이나 Italy 외에서는 속어도 사용됨.
양식: Mass, Motet.
2. Protestant 음악
독일 (Chorale): 회중 찬양을 주목적으로 함.
1) Plain song Melody를 박자 배치로 조절한 것과 Latin 가사를 독일어로 대치한 것.
2) 개혁 이전에 있었던 비의전적 독일 종교 노래.
3) Contrafactum: 속가 Melody에 종교 가사를 붙인 것.
4) 새로 작곡된 찬송.
영국: Service와 Anthem이 주를 이룸. Catholic plain song에서 유래하여 크게 둘로 나뉨.
1) Full Anthem (Cathedral Anthem): 전체가 합창으로 되어 있고 대위법적이며 무반주 영어 가사 사용.
2) Verse Anthem: Organ이나 Viol 반주에 의한 하나 이상의 독창 성부를 위한 것으로 합창의 짧은 대치 악절이 있음.
16세기 기악 및 성악 음악
1. 16C 기악 음악
주요 악기: Recorder, Shawm, Lute (가장 인기 있는 악기).
주요 양식:
- Ricercar: Motet의 기악형이며 "찾다"는 뜻임. 초기에는 모방을 갖는 즉흥적 성격이었으나 후기에는 모방적 상호 교환 방식으로 더 명확한 형식을 얻음.
- Canzona: Chanson에 대한 Italy 말이며 기악형임. 합주나 독주를 위해서 다 쓰임.
기타: 춤곡, 즉흥곡, 변주곡.
오스티나토: Passacaglia와 Chaconne의 원형이 됨.
16C 성악 음악 (Madrigal 등)
- Villanella: 3성부의 장조적이고 활기 있는 작은 화성적 음악 양식으로 의도적으로 병행 5도를 자주 사용함.
- Madrigal: 감상적이거나 애욕에 관한 주제를 가짐. 14C의 Madrigal과는 이름만 같음. 16C Madrigal은 후렴을 사용하지 않고 규칙적 고정 형식이 없으며 가사와 음악의 반복 구조도 없음. 짧은 시의 통절 형식 작곡이며 서로 겹쳐지는 여러 악장들의 연결로 되어 있고 원래
이상적인 실내 성악곡임.
- Canzonetta와 Balletto (It): 아담하고 활달한 화성음악 양식으로 장·단조가 자주 반복되는 분명하고 평이한 구절로 되어 있음. Giacomo Gastoldi (1622 d.)가 대표적 작곡가이며 fa-la 등의 후렴이 붙음.
3. 주요 작곡가
Antonio de Cabezon (1510~66): Spain의 변주곡 및 건반음악 작곡가.
Cipriano de Rore (1516~65): 5성부 Madrigal 작품집 (Netherland).
Madrigal 작곡가: Luca Marenzio (It), Adrian Willaert, Orlando di Lasso (Neth), Carlo Gesualdo (Italy Madrigal 반음계성의 절정), Claudio Monteverdi (It).
Hans Leo Hassler (1564~1612): 독일 작곡가.
* 교회에서 기악 음악이 중단된 이유는 유태인의 '바빌론 포로' 이후 유태교 전통과 로마의 박해 때문이다.
포로가 안 되었거나 박해가 없었다면 예배에서 기악 음악을 사용되었을 것이며, 예배에서 악기 사용은 가능하다.
* Air (Vaudeville): 엄격하게 화성 음악적이고 짧고 장절식이며 후렴을 가지는 경우가 많고 대개 Lute 반주에 의해 독창으로 연주되었다.
Heinrich Schütz (1585~1672) 독일 작곡가
* 영국 Madrigal의 작곡가:
- William Byrd (1543~1623) - Orlando Gibbons (1583~1625)
* 16C 세속 음악 (일반적 고찰)
- 종교 음악과의 경쟁 - 르네상스 정신의 확대와 출판의 융성 때문.
- 민족 음악은 세속 음악에서 뚜렷했으며 화란의 영향은 여전함.
- 세속 음악은 귀족들의 후원 아래 발전.
- 음악회용 음악보다는 아마추어 연주가를 위한 오락용이다.
- 연주를 위한 실내악용으로 사용되었다.
* 주요 음악 양식
- Quodlibet (15~16C): 여러 개의 노래나 여러 노래의 쪼가리들을 한데 묶어 이루어지는 곡(Medley). 가사를 아무렇게나 조리에 맞지 않게 하려는 의도가 분명히 나타나는 때가 많다.
- Chorale: Luther 교회의 가장 뚜렷한 음악적 공헌이며 이것은 장절식 회중 찬미가이다. 곡조들은 새로 작곡되기도 했지만 이미 있어온 노래의 일부나 전부를 사용한 것도 많다. Contrafacta나 parody가 쓰임.
- Cantional 양식: 평이한 수직 화음적이며 찬미가 비슷하고 명료한 리듬으로 된 편곡으로서 주 선율은 최상성부에 놓이는 양식.
* 기악 양식의 발전
- Organ Canzona → Fugue로 발전 - 합주 Canzona → 교회 Sonata (Sonata da chiesa)로 발전
* 주요 성악 양식
- Chorale Motet: Chorale 선율을 기본으로 하여 여기에 개인적인 해석과 장면의 세부를 첨가한 곡이다.
대표적 작곡가: Leonhard Lechner (c.1550~1606), Michael Praetorius (1571~1621) 등
- Psalter: 규칙적인 박자와 운이 있는 시편 번역에 새로운 선율이나 대중적인 곡조, 또는 편성가에서 채택한 선율을 붙인 것이다.
(참고) Litany: 기도문
* 영국 교회 음악
- 대 Service: 대위법적이며 다음절적임 - 소 Service: 수직화음적이며 단음절적임
* Palestrina의 음악
구교의 Mass를 위한 종교 작품을 주로 썼으며, 객관적이고 냉정하며 비개성적인 특징을 가진다.
당시의 반음계주의를 완전히 파악했고, 선율선의 순수성은 화성의 순수성과 결합된다.
반종교개혁의 중요한 작곡가가 되었으며, 부드럽게 드러나는 리듬의 규칙성이 그의 양식적 특징이다.
대부분 대위법 양식으로 되어 있고, 수직 화음적 개념의 짜임새도 Litany와 애도곡 등에서 나타난다.
* 주요 작곡가 및 기법
Mass와 Motet의 두 대가:
Palestrina - Mass
Lasso - Motet
- Cori spezzati: 두 개의 동떨어진 성가대를 위한 합창곡으로, 대규모의 웅대한 곡이다 (Polychoric Motet
1) 규칙적인 소절선에 의한 리듬. 2) 레시타티브나 즉흥적인 기악 독주곡에 사용되는 자유롭고 박절이 없는 리듬.
대위법의 변화: 르네상스는 독립된 여러 성부들이 이루는 다성음악을 기본으로 하였으나, Baroque는 튼튼한 Bass(베이스) 위에 흐르는 선율이 붙어서 이 Bass와 선율이 자연스러운 화성을 이루는 것을 이상으로 하였다.
* 통주저음과 초기 오페라
Thorough Bass (Basso Continuo): 지속저음 혹은 통주저음. 작곡가는 선율과 Bass만을 쓰고, Bass는 Cello, 바순 등으로 강화하며 건반악기나 Lute가 그 위의 화성을 채워 넣는다. 작곡가는 필요에 따라 Bass 음표 아래나 위에 숫자와 기호를 적는다. 이는 음악이 대위법에서 화성음악으로 넘어가는 다리 역할을 했다.
* 오페라의 전신:
- Madrigal Comedy: 여러 장면이나 분위기를 희극적인 줄거리와 대화로 표현함.
- Intermezzo (Intermedio): 목가극의 막간극으로 우의적이나 신비적 성격을 가짐.
* Florentine Camerata (플로렌스 학파): 단선 노래를 중시하며 가사와 음악의 일치를 주장했다. Vincenzo Galilei가 주요 주장자였다.
Euridice: 페리(Peri)와 카치니(Caccini)가 1600년에 리누치니의 목가극에 곡을 붙인 최초의 완결된 오페라이다.
* 오페라의 발전과 17C 이탈리아 오페라 (19p)
- Stile Rappresentativo (서사적 양식, 극장 양식): 전체적으로 느리게 움직이는 Bass 위에 레시타티브로 구성되며, 성악적 기교 없이 단선으로 서술해 나가는 양식이다.
Monteverdi의 오페라: 오페라는 몬테베르디에서 명실상부한 것이 되었다. 그의 Orfeo (1607)는 5막으로 된 독창, 이중창, 합창, 레시타티브 등을 포함하며 관현악도 대규모로 구성되었다
* 지역별 오페라
- Rome: Stefano Landi의 'Sant' Alessio(1632)', Luigi Rossi의 'Orfeo(1647)' 등.
- Venice: Monteverdi의 '율리시즈의 귀항(1641)', '포페아의 대관(1642)' 및 그의 제자 Cavalli의 작품들. Bel Canto 양식을 중시했다.
* 17C 중엽 Italy 오페라 특징:
1) 독창 노래에 중점을 두고 중창과 기악 음악은 비교적 무시됨.
2) Recitative와 Aria가 분리됨.
3) Aria에 분명한 모형이 주어짐.
* 바로크 기법과 17C 작법 형태
- Chaconne: 16C 중엽의 반복되는 화성 연결로 된 곡으로 Spain에서 발생한 춤과 관련된 것으로 추측된다.
- Passacaglia: 선율적 반복이 주로 Bass에 나타남. 역사는 Chaconne와 동일.
Stile Concertato: '같이 울림' 혹은 '경쟁'의 뜻을 가짐. 독창 성부나 독창 악기의 대조를 의도적으로 강조하는 방식이다.
Stile Concitato: Monteverdi가 창안한 '흥분된 양식'으로 Tremolo 주법과 유사하다.
* 17C의 작법 형태
1. Ricercare 형: 모방 대위법에 의한 곡, 후에 Fugue로 발전.
2. Canzona 형: 비연속적인 모방 대위법 곡, 후에 Sonata da Chiesa로 발전.
Singspiel (징슈필)이라 하며, 독일 오페라는 Italy의 양식을 거의 그대로 받아들였다.
주요 작곡가: Reinhard Keiser (라인하르트 카이저, 1674~1739)가 있다.
서양 음악사: 오페라의 지역별 발전
A. Scarlatti (알레산드로 스카를라티)
후기 오페라들은 Aria(아리아)들을 극적으로 광범위하게 취급하며 관현악을 중요하게 처리했다.
France Opera (프랑스 오페라)
1. 주요 작가 Jean-Baptiste Lully (장 바티스트 릴리, 1632~87): 프랑스 오페라의 선구자.
Robert Cambert (로베르 캉베르, 1628~77).
2. 특징
Tragédie lyrique (서정 비극): 릴리는 발레와 연극의 요소를 결합하는 데 성공하여 이 형식을 확립했다.
레시타티브(Recitative) 처리가 뛰어났다.
프랑스식 서곡(French Overture) 형식을 확립했다.
France의 Overture: Italy에서는 Sinfonia라 부름.
두 형식 모두 오페라의 축제적인 분위기를 만드는 데 목적이 있었다.
3. 프랑스 오페라의 4대 요소 - Ballet(발레)의 사용 - 연극의 중요시 - Orchestra와 기악 음악의 보다 많은 사용 - France 서곡 (Overture)
* 영국의 Opera 영국에서는 오페라를 Masque(마스크)라 불렀다.
주요 작곡가: John Blow (존 블로우, 1649~1708)와 그의 제자 Henry Purcell (헨리 퍼셀, 1659~1695).
특히 퍼셀의 <Dido and Aeneas (디도와 에네아스)>가 중요하다.
독일 Opera Singspiel (징슈필)이라 하며, 독일 오페라는 Italy의 양식을 거의 그대로 받아들였다.
주요 작곡가: Reinhard Keiser (라인하르트 카이저, 1674~1739).
* Cantata (칸타타)
Alessandro Scarlatti (알레산드로 스카를라티, 1660~1725): 칸타타의 대가. 발전 과정: 17세기 이전에는 유절 변주(Strophic Variation)를 갖는 단선 음악이었다.
형식의 정착: 이후 대조되는 짧은 부분들을 많이 갖는 형식으로 발전했다. 17세기 후반에는 독창 성부와 지속음 반주에 의한 Recitative(레시타티브)와 Aria(아리아)가 교대되는 형식을 취한다.
특징: 가사는 극적인 서술이나 독백 형식으로 된 사랑의 내용을 담고 있으며, 전체 연주 시간은 10~15분 정도 소요되는 형식으로 정착되었다.
* 희가극의 형태 (18세기에 유행)
- Opera Buffa (오페라 부파): 18세기 초 이탈리아 나폴리(Napoli)가 중심지이다.
주요 작곡가: G. Pergolesi (조반니 바티스타 페르골레시, 1710~36), A. Scarlatti, 그리고 Baldassare Galuppi (발다사레 갈루피, 1706~85).
페르골레시는 반음계주의를 특징으로 한다.
- Opera Comique (오페라 코미크): 프랑스 형식으로, 희극적인 오페라가 많다. 장 자크 루소가 대표적이다.
- Ballad Opera (발라드 오페라): 영국 형식. John Pepusch (존 페푸슈, 1667~1752)의 <The Beggar's Opera (거지 오페라)>가 유명하다.
- Singspiel (징슈필): 독일 형식. 18세기 초에는 오페라 세리아(Opera Seria)였으나 18세기 후반에 희가극이 되었다. J.A. Hiller (요한 아담 힐러, 1728~1804)가 대표적이다.
- Zarzuela (사르수엘라): 스페인 형식. Juan Hidalgo (후안 이달고, d. 1685)가 대표적이다.
참고 작곡가: **Johann Adolf Hasse (요한 아돌프 하세, 1699~1783)**는 오페라, 오라토리오 등을 썼다.
* 루터교 음악 (1650~1750, Bach 시대)
이 시기는 루터교 음악의 황금시대이다. 루터교 음악에는 두 가지 유파가 존재한다.
- 정통파: 예배에서 합창 음악과 기악 음악 등 가능한 모든 자원을 사용하기를 원했다.
- 경건파: 예배의 형식성과 고도의 기교를 불신했다. 보다 단순한 성격의 음악으로 예배하며, 개인적 감정의 표현을 즐겨 했다.
. * 18세기 루터교 음악과 교회 음악 형식
1. 18C 루터교 음악의 요소 음악과 가사의 면에서 뚜렷한 세 가지 요소가 결합하여 발전했다.
1) 합주 양식: 성경을 가사로 삼음. 2) 독창 Aria: 성서 외의 소재를 장절식으로 취급. 3) Chorale (코랄): C.F.(정선율)처럼 여러 가지로 처리 가능.
* 위 요소들이 결합하여 나타난 형식:
1) Concerto Aria: 칸타타는 Concertato 양식으로 처리된 Aria (or Aria와 합창)만으로 구성. 2) Concerto Chorale: 칸타타는 역시 Concertato 양식의 합창만으로 구성. 3) Chorale Aria: 칸타타는 합창과 Aria로 구성되며, 합창 부분에는 단순한 화성 음악적 처리와 Concertato 양식이 모두 사용됨.
주요 작곡가:
- D. Buxtehude (c. 1637~1707): 루터교 음악의 대가.
- Johann Pachelbel (1653~1706): 코랄을 사용하지 않는 자유로운 Concertato 형식을 성악 작품에 널리 썼다.
- Johann Kuhnau (1660~1722): 칸타타 작곡가.
- G.P. Telemann (1681~1767).
* Historia (히스토리아)
루터파 독일의 교회 음악 형식으로, 성경의 이야기(X-mas나 부활절 등)에 음악을 붙인 것이다.
Passion (수난곡): 히스토리아의 일종으로 두 가지 형식이 있다.
- Motet Passion: 수난곡 전체에 다성 음악적 Motet를 붙인 것.
- Oratorio Passion: 오라토리오 형식에 가까운 수난곡.
* Baroque(바로크) 말기 북독일의 Organ 작품
용으로 작곡되며, 보통 2~3개의 da capo aria와 교대되는 Secco recitative로 구성된다.
* Oratorio (오라토리오) - 특징: 서창에서 종교 이야기를 말하는 해설자(testo or Historicus)를 사용함.
- 비교: Opera(오페라)에 비해 비교적 합창을 많이 사용함.
- 종류: * Oratorio Latino: 이탈리아에서 라틴어 가사를 사용하는 오라토리오.
- Oratorio Volgare: 이탈리아어를 사용하는 오라토리오.
- 참고: Oratorio Latino는 17세기 후반에 사라졌다.
- 최초의 작품: Emilio de' Cavalieri (1550~1602)의 "영혼과 육체의 극"이 최초의 것이다.
합주곡: 합주 Sonata, Concerto Grosso, Solo Concerto 등의 기악 작품.
성악곡: Cantata, Motet (둘 다 Choral 선율을 많이 사용). Oratorio, Passion, Mass 등의 성악 작품이 있다.
* Bach의 음악적 특징
18세기 초에 통용되던 허다한 양식들을 최고로 발전시켰으며, 화성과 대위법, 선율과 다성음악의 조화를 이루고 모든 음악적 유산을 완벽한 기교로 고도로 승화시켰다.
* George Frederic Händel (1685-1759)
- 특징: 독일적인 진지함, 이탈리아적인 산뜻함, 프랑스적인 장대함을 모두 가진 국제적인 작곡가였다.
- 활동: 주로 Opera에 치중하다가 1730년대 이후에는 Oratorio로 전향했는데, 이는 당시에 Italy Opera가 영국에서 인기를 잃었기 때문이다.
Haydn이 에스테르하지의 니콜라스 1세 공작 밑에 있을 때는 간섭도 많이 받고 바빴으나, Nicolas II 밑에서는 시간이 좀 많았다. 그래서 그때 그 유명한 <The Creation>(천지창조)과 <Jahreszeiten>(사계, Four Seasons)을 작곡했고 현악 4중주도 썼다.
하이든은 주로 기악 작곡가다. 특히 교향곡(106곡)과 현악 4중주곡들(68곡)이 유명하다.
그의 초기 교향곡들은 거의 Italy Sinfonia에서 영향받고 그래서 전형적 3악장(빠름-느림-빠름)으로 되어 있다. 몇몇은 마르티니의 Sonata da Chiesa(교회 소나타)풍도 있다.
정상적인 형태는 31번 교향곡으로 4악장 즉, Allegro - Andante Moderato - Menuetto or Trio - Allegro로 되는데, 느린 악장이 Dominant로 되지 않고 병행 단조로 되어 있다. 하이든의 주제는 대조를 이루지 않는다(Sonata에서). 4악장의 도입이 그의 공로.
* 하이든의 음악적 특징과 양식
Haydn은 과거를 소화하여 18세기 중엽의 빈약한 양식을 살찌웠고, Empfindsamer Stil(감정과다양식)과 Sturm und Drang(질풍노도) 운동에서 낭만적 맥박을 흡수했고 이것들을 융합해서 1780년 이후에는 천진함이 깃든 세련성이라는 그의 독특한 색채도 만들었다.
18세기 말 고전양식을 완성하였으며 그의 예술의 특징은 세련성, 정직한 장인정신, 겸손, 의도의 순수함, 그리고 평범한 대중 생활과의 정신적 유대 등이다.
* leitmotif (라이트모티브) 극중의 구체적인 인물이나 사물, 또는 이념에 연관되는 주제로서 이 대상이 등장할 때마다 이 음악이 나옴으로써 일종의 표식 역할을 한다. 이것은 극적인 명료함과 형식상의 결합력을 이루기 위해 사용한 수법이다. Leitmotif와 각 막의 악절을 크게 몇 개로 나눔으로 극적인 명료함과 형식상의 결합력을 이룩했다.
오페라: 입맞춤 (The Kiss, 1876)
- A. Dvořák
주요 작품: 슬라브 무곡 (Slavonic Dances) - L. Janáček (1854~1928) 오페라: 예누파 (Jenůfa, 1903) 카탸 카바노바 (Káťa Kabanová, 1921) 영리한 새끼 여우 (The Cunning Little Vixen, 1925) The Makropulos Case (1925) From a House of the Dead (1928)
*. Norway (노르웨이)의 민족주의
- Edvard Hagerup Grieg (1843-1907)
Grieg의 Peer Gynt 모음곡 두 개 (본래 23개 중 8개만 있다).
A minor Piano Concerto (1868)
*. 미국의 민족주의 -Stephen Foster (1826-1864)
*. Finland (핀란드)의 민족주의 - Jean Sibelius (1865-1957)
Sibelius의 음악은 북구의 자연과 관련이 깊어서 우울하고 황량하며 원초적이다. 교향시가 유명함.
교향곡 7개 교향시 3개: En Saga (전설) The Swan of Tuonela Finlandia (1899) Pohjola's Daughter (1906) Tapiola (1925)
*. 영국의 민족주의
- Sir Edward Elgar (1857-1934) The Dream of Gerontius (1900) Enigma Variations (1899) 서곡 Cockaigne (1901) Symphonic Etude "Falstaff" (1913)
- Ralph Vaughan Williams (1872-1958) Norfolk Rhapsodies (1907) "music for Strings, percussion, and Celesta (1936)" 그는 Mode나 반음계도 쓰지만 기본적인 中心音은 나타나 있다는 점에서 조성적이고 polytonality도 쓰며 화음으로는 2도 음정을 쌓은 tone cluster (음괴)의 사용이며 또 그의 전 작품의 지배적 요소는 민속음악의 정수를 통합한 다양성과 기교이며 그는 과거와 현재의 업적들을 모아 개성 있게 통합하여 풍부한 감정으로 표현했다.
* 독일
- Carl Orff (1895년 생)의 Carmina Burana (1936) opera Der mond (달: 1939). Die Kluge (영리한 여자: 1943). 그의 Music for children (1950-54)는 교재로서 훌륭하다. Ludus Tonalis (음의 유희, 1942) Opera: Die Harmonie der Welt (세계의 조화, 1957년 초연) Nobilissima Visione Symphonic Metamorphoses
* 힌데미트의 음악철학 소통: 작곡가는 자기의 의무뿐만 아니라 청중의 요구와 수용 능력을 고려할 의무가 있다. 기법: 모든 음악 이론은 음악적 실제와 연결되어 세워야만 한다. 영감을 전달하는 능력 배양. 조성: 조성은 자연 질서나 중력의 법칙처럼 중요하다. 상징주의: 1940년 이후 음악 작품 속의 질서는 도덕적이고 영적인 세계 속에 있는 보다 높은 질서를 상징한다는 생각.
- Olivier Messiaen (올리비에 메시앙, 1908~ ) 메시앙은 종교적 색채를 띠고 그의 독특한 8음으로 된 Octave Rhythmic pedals 첨가된 음가, palindromes (앞으로 읽으나 뒤로 읽으나 같은 리듬 형식) 배수가 아닌 선율의 확대·축소 Greece 박자나 인도(talas)에서 나온 리듬 사용 극도로 복잡한 수직적 응집함 선율의 장식적 요소 합창의 관현악화와 같은 특수한 소리나 음색의 개발
Organ 작품: Meditations on the Mystery of the Holy Trinity (1969) Quatuor pour la fin du temps (메시앙의 4중주) mode de valeurs et d'intensités (1949) - piano 곡
- Igor Stravinsky (1882~1971) 스트라빈스키는 Ballet 곡 불새(1910), 페트루슈카(1911), 봄의 제전(1913), 병사의 이야기(1918), pulcinella(1919), Les Noces(1917~23, 결혼식), Octet for wind Instruments(1923) 등을 작곡함.
그의 신고전주의는 opera Rake's Progress (난봉꾼의 행로, 1951)까지 계속된다. Ballet 천사의 키스(1928) 합창음악 및 opera oratorio: 오이디푸스 왕(1927), 시편교향곡(1930)
* 20C 신고전주의의 두 가지 특징
영국의 음악은 퇴보했다(중지). 그러다가 16C 초에 다시 영국 음악은 부흥한다.
15C 중반에 Italy로 들어간 화란 음악가들은 Italy의 음악을 부흥시켰으며, 그래서 16C 중반부터는 Italy 음악이 세계의 주도적인 음악이 되어 (18C 중엽까지) 이 시기에는 물론 독일에도 음악이 있었으나 17C에 30년 전쟁(1618-48)의 영향으로 독일 음악은 몰락했다. 그러나 다음 세대에 Bach가 나타나서 독일 음악을 다시 부흥한다.
화란 음악가: 네덜란드와 벨기에 지역(플랑드르 학파)의 음악가들을 의미한다.
18C 중엽: 이 시기에 이탈리아의 영향력이 줄어들고 독일/오스트리아 중심의 고전파 음악이 본격적으로 대두된다.
